RialYe

RialYe reviewed untitled 03 l 05.28.2013. by Kendrick Lamar 1w

10

“How much your talent costs?” asked the white man: Brief thematic analysis of “untitled 03” The third track of Untitled Unmastered is divided into four sections, each dedicated to a culture that has shaped the social reality of the United States. From start to finish, we hear the overarching perspective of the Asian American population (the Asian), the indigenous peoples of North America (the Indian), the Black community (the Black man), and finally, the majority white population (the White man). However, this division is not symmetrical. Kendrick uses these cultures to contrast the first three, which form the minority block, with the last one, the majority social group that has amassed the most power and capital throughout the country's 250-year existence. The minorities aim to offer Kendrick something they believe constructive: the Asian gives him "a peace of mind," the Indian gives him "a piece of land," and the Black man gives him "a piece of pussy." Despite their differences, all of them act with good intentions, striving to help the artist reach his full potential through what each representation considers the highest or one the highest values to pursue. On the other hand, the White man does not seek to offer advice to help Kendrick improve, but rather to take from him, demanding "a piece of mine's." Each contribution (or demand) made by every group is tied to its historical reality. The Asian perspective believes Kendrick needs to reach the peak of mental peace and ego detachment instead of obsessively worrying about career ambition, something somewhat impersonal: “Meditation is a must, it don't hurt if you try. See, you thinking too much. Plus, you too full of yourself, worried about your career. You ever think of your health?" The indigenous perspective connects to the group's historical trauma of being stripped of their land during colonization. The Indian urges Kendrick to understand that real value lies in real estate. He tells him that rap luxuries expire all too fast, but investing in land does not, as it yields benefits for future generations: “Longevity is in the dirt. Should buy some property first. Should profit a better dollar with generational perks. Equity at his best; really, you should invest. These tangible things expire. Don't you expect income with so much outcome” Rounding out the minority perspectives is the Black man. He urges Kendrick to return to the hood and reminds him that sexual desire, though primal, also serves as a driving engine pushing him to seek power and self-improvement: “"A piece of pussy", that’s what the black man said. I needed to push me to the limit to satisfy my hunger. We do it all for a woman, from haircut to a war. We like to live in the jungle”. Everything is set up to contrast with the White man's perspective, who in this case is represented as a music executive due to Kendrick's position as an artist. He does not seek to give, but to ask for and demand a piece of “your world tour, your masters, mortgage" in exchange for money. Kendrick's concern becomes evident when he narrates asking the White man “what if I compromise?” in reference to his message and morals. The executive replies that it does not matter, because money is all that counts. Here we see for the first time what sits at the top of the White man's hierarchy of values. While the Asian prioritized peace of mind, the Indian prioritized land, and the Black man prioritized women, the White man above all seeks economic capital. He is willing to strip others and himself of morality and original essence for the sake of profit: “He said "It don't even matter. You make a million or more, you living better than average. You losing your core following, gaining it all". Later, he extorts Kendrick using the common fear among artists of anonymity and career failure: “"I'mma make you some promises that you just can't ignore: your profession anonymous as an artist if I don't target your market, If you ain't signing your signature when I throw you my wallet. A lot of rappers are giving their demo all in the toilet”. In the chorus closing the song, we hear Bilal invoke imagery of slavery by stating he will only enjoy the fruits of his labor if he is ever freed from his chains: “I holler, “What you do? What you say?”. I shall enjoy the fruits of my labor if I get freed today” This ultimately ties back to Kendrick's overarching concept in the parent album of Untitled Unmastered, To Pimp a Butterfly, where record contracts then and now were nothing more than another form of slavery, merely modern and concealed. * * * * * * El tercer corte de Untitled Unmastered se divide en cuatro bloques, cada uno dedicado a una cultura de las que han conformado la realidad social de Estados Unidos. Desde el principio hasta el fin, oímos la perspectiva general de la población asiáticoamericana (the Asian), los pueblos originarios de norteamérica (the Indian), la comunidad afroamericana (the Black man) y, por último, la población blanca mayoritaria (the White man). La división no es simétrica sin embargo. Kendrick usa estas culturas para contrastar las tres primeras, conformando el bloque de las minorías, con la última, el grupo social mayoritario y que ha amasado la mayor cantidad de poder y capital durante los 250 años que lleva existiendo el país. Las minorías entonces buscan aportarle algo constructivo a Kendrick: el asiático le da "a peace of mind" (paz mental), el indio le da "a piece of land" (un pedazo de tierra) y el hombre negro le da "a piece of pussy" (el deseo de la carne). A pesar de las diferencias, todos lo hacen con buenas intenciones, buscando que el artista alcance su mayor potencial a través de lo que cada representation considera el valor o uno de los valores más grandes que se pueden perseguir. Por otro lado, está el hombre blanco que no busca ofrecerle consejo a Kendrick para que este encuentre mejoría, sino quitarle exigir "a piece of mine's" (un pedazo de lo suyo). Cada aportación (o exigencia) que realiza cada grupo se ata a su realidad histórica. La perspectiva asiática entiende que Kendrick necesita alcanzar el tope de la paz mental y el desligamiento de su ego en vez de preocuparse obsesivamente por la ambición por su carrera, algo hasta cierto punto impersonal: “Meditation is a must, it don't hurt if you try. See, you thinking too much. Plus, you too full of yourself, worried about your career. You ever think of your health?" (La meditación es obligatoria, no duele si lo intentas. Mira, estás pensando demasiado. Además, estás demasiado lleno de ti mismo, preocupado por tu carrera. ¿Alguna vez piensas en tu salud?). La perspectiva del indígena se conecta trauma histórico del grupo al verse despojados de su tierra durante los tiempos de la colonización. El indígena empuja a Kendrick a comprender que la verdadera valía se encuentra en los bienes raíces. Le dice que los lujos del rap caducan demasiado rápido, pero invertir in la tierra no, pues trae beneficios para sus futuras generaciones: “Longevity is in the dirt. Should buy some property first. Should profit a better dollar with generational perks. Equity at his best; really, you should invest. These tangible things expire. Don't you expect income with so much outcome” (La longevidad está en el suelo. Deberías comprar alguna propiedad primero. Deberías sacarle provecho a un mejor dólar con beneficios generacionales. El valor neto en su máxima expresión; de verdad, deberías invertir. Estas cosas tangibles caducan. No esperes ingresos con tantos gastos). Completando las perspectivas de las minorías, está el hombre negro. Este le insta a Kendrick a volver al barrio y le recuerda que el deseo sexual, aunque primitivo, también funciona como motor para empujarlo a buscar poder y mejoría propia: “"A piece of pussy", that’s what the black man said. I needed to push me to the limit to satisfy my hunger. We do it all for a woman, from haircut to a war. We like to live in the jungle” (Un pedazo de carne, eso es lo que dijo el hombre negro. Lo necesitaba para empujarme al límite para satisfacer mi hambre. Lo hacemos todo por una mujer, desde un corte de cabello hasta una guerra. Nos gusta vivir en la jungla). Todo es establecido para compararlo con la perspectiva del hombre blanco, que en este caso es representado como un ejecutivo de la música, esto debido a la posición de Kendrick como artista. Este no busca dar, sino pedir y exigir un pedazo de “your world tour, your masters, mortgage" (tu gira mundial, tus grabaciones maestras, tu hipoteca) a cambio de dinero. La preocupación de Kendrick se hace ver cuando se narra a sí preguntándole al hombre blanco “what if I compromise?” (¿qué pasa si me comprometo/pongo en riesgo mi moral?) hablando sobre su mensaje y su moral. El ejecutivo responde que eso no importa, porque lo único que importa es el dinero. Ahí vemos por primera vez en toda la canción que se encuentra en lo alto de la piramide de valores del hombre blanco. Mientras para el asiático lo más importante era la paz mental; para el indígena, la tierra; para el hombre negro, las mujeres; el hombre blanco busca por sobre todo el capital económico. Está dispuesto a despojar a los demás y a sí mismo de la moral y la esencia original por beneficio al dinero: “He said "It don't even matter. You make a million or more, you living better than average. You losing your core following, gaining it all" (Él dijo: "Ni siquiera importa. Ganas un millón o más, vives mejor que el promedio. Pierdes a tu núcleo de seguidores, pero lo ganas todo"). Más adelante extorsiona a Kendrick con el miedo común de un artista al anonimato y al fracaso de su carrera: “"I'mma make you some promises that you just can't ignore: your profession anonymous as an artist if I don't target your market, If you ain't signing your signature when I throw you my wallet. A lot of rappers are giving their demo all in the toilet” (Te voy a hacer unas promesas que simplemente no puedes ignorar: tu profesión será anónima como artista si no apunto a tu mercado, si no firmas tu firma cuando te arroje mi billetera. Un montón de raperos están echando su demo directo al inodoro). En el coro que cierra la canción oímos a Bilal activar el imaginario de la esclavitud al decir que solo disfrutará los frutos de su propia cosecha si es que algún día logra ser liberado de las cadenas: “I holler, “What you do? What you say?”. I shall enjoy the fruits of my labor if I get freed today” (Grito: "¿Qué haces? ¿Qué dices?". Disfrutaré de los frutos de mi trabajo si soy liberado hoy). Esto termina conectado con la concepción global de Kendrick del disco paterno de Untitled Unmastered, To Pimp a Butterfly donde los contratos para los artistas en ese momento y más adelante no eran más que otra forma de esclavitud, solo que moderna y escondida.

RialYe reviewed Bocanada by Gustavo Cerati 7mo

10

Bocanada is an undisputed classic of contemporary Latin music and the second solo studio album by Gustavo Cerati, vocalist and leader of the legendary Argentine band Soda Stereo. The record is characterized by highly abstract lyrics; Cerati himself acknowledged in several interviews that many of them do not carry a concrete meaning. Even so, the album does not rely on words to make an impact, as it asserts itself with force and keeps the listener engaged from beginning to end, guiding the experience in a largely sensory way. The album blends downtempo—which sets the pace and overall character of most of the songs—with elements of conventional rock, as heard in “Puente,” psychedelic rock, present in tracks like “Beautiful,” and the softer subgenres of EDM. This influence is especially noticeable in some electronic-sounding instrumental pieces, such as “Y si el humo está en foco.” As a whole, the record creates an atmosphere reminiscent of dreams and introspective journeys, with direct references to experiences linked to opioid use, as in “Raíz.” Thanks to the balance it achieves between accessible melodies and a more adventurous sonic approach, Bocanada can be considered an art-pop album. On a personal level, it is one of my favorite projects of all time, not only because it was created by one of the most important artists from my beloved Latin American, but also because of its strong electronic influence and its constant use of samples like Hip-Hop —something far removed from the rock of its time. A clear example is the song “Bocanada,” which samples a piece by the Dutch band Focus and, toward the end, incorporates a track with Caribbean roots: “Tabú” by Cuban musician Desi Arnaz. Another example is the previously mentioned “Raíz,” which features a sample from the Chilean band Los Jaivas. Another standout moment on the album is the beautiful “Verbo carne,” one of Cerati’s most ambitious songs. The track was recorded with the London Philharmonic Orchestra, known for its work on film soundtracks such as The Lord of the Rings and Star Wars. What is most striking is that, despite combining elements that seem very different—electronic music, rock, sampling, and symphonic arrangements—Cerati manages to make everything sound unified and coherent. For those looking for Latin music that moves away from dance-oriented rhythms and leans toward more artistic and experimental approaches, without losing a Latin American identity, Bocanada is an excellent entry point. Beyond its musical quality, it is also a key work due to its historical importance within the canon of popular music in the region. * * * * * Bocanada es un clásico indiscutible de la música latina contemporánea y el segundo álbum en solitario de Gustavo Cerati, vocalista y líder de la legendaria banda argentina Soda Stereo. El disco se caracteriza por letras muy abstractas; el propio Cerati reconoció en varias entrevistas que muchas de ellas no tienen un significado concreto. Aun así, este no depende de las palabras para impactar, pues logra imponerse con fuerza y mantener al oyente atento de principio a fin, guiando la experiencia de forma mayoritariamente sensorial. El álbum combina el downtempo —que marca el ritmo y el carácter general de la mayoría de las canciones— con elementos de rock convencional como en “Puente” y rock psicodélico, presentes en temas como “Beautiful”, y con los subgéneros más suaves del EDM. Esta influencia se nota especialmente en algunas canciones instrumentales de sonido electrónico, como “Y si el humo está en foco”. En conjunto, el disco construye una atmósfera que recuerda a sueños y viajes introspectivos, con referencias directas a experiencias ligadas al consumo de opioides como ocurre en “Raíz”. Por el equilibrio que logra entre melodías accesibles y una búsqueda sonora más arriesgada, Bocanada puede considerarse un álbum de pop artístico. En lo personal, es uno de mis proyectos favoritos de todos los tiempos, no solo por estar firmado por uno de los artistas más importantes de querida latinoamericana, sino por su fuerte influencia electrónica y el uso constante de samples como si de hiphop se tratase, algo muy alejado del rock de la época. Un ejemplo claro es la canción “Bocanada”, que toma fragmentos de una pieza de la banda neerlandesa Focus y, hacia el final, incorpora un tema de raíz caribeña: “Tabú”, del cubano Desi Arnaz o la anteriormente mencionada “Raíz” que cuenta con otro sample de Los Jaivas. Otro punto destacado del disco es la hermosa “Verbo carne”, una de las canciones más ambiciosas de Cerati. El tema fue grabado con la Orquesta Filarmónica de Londres, conocida por su trabajo en bandas sonoras de películas como El Señor de los Anillos y Star Wars. Lo más llamativo es que, a pesar de mezclar elementos que parecen muy distintos —electrónica, rock, sampling y música sinfónica—, Cerati logra que todo suene unido y coherente. Para quienes buscan música latina que se aleje de los ritmos más bailables y se acerque a propuestas más artísticas y experimentales, sin perder una identidad latinoamericana, Bocanada es una excelente puerta de entrada. Además de su calidad musical, es una obra clave por la importancia histórica que tiene dentro de la música popular del continente .

RialYe reviewed Donde Duele Inspira by Flowklorikos 8mo

10

A classic of Spanish jazz rap that sounds like nothing else produced by its contemporaries, neither in lyrical composition nor in musical terms. Although it is credited to the Zaragoza-based group Flowklorikos, the album is, in practice, 90% performed by Rafael Lechowski, who would later re-record many of these tracks on “Donde duele, inspira (jazz version)”. It is remarkable how much they achieve musically with nothing more than a sampler and a deep cultural knowledge of jazz. This is one of those works that strike a rare balance between style and substance, with the lyrics occupying a central, foregrounded role alongside the beats. The discourse of “Donde Duele Inspira” constantly orbits around the ego trip—an inseparable element of every iteration of hip hop, regardless of the country it reaches—while also leaning heavily into solitude and melancholy, as the project’s title itself suggests. * * * * * Clásico del rap jazz hispano y de España que no suena como nada que haya escuchado de sus contemporáneos, ni en términos de composición lírica ni musical. Aunque esté firmado bajo el nombre del grupo zaragozano Flowklorikos, el disco es en un 90 % interpretaciones de Rafael Lechowski, quien luego regrabaría muchos de estos temas en “Donde duele, inspira (versión jazz)”. Es increíble lo mucho que logran musicalmente con tan solo un sampler y un gran conocimiento cultural del jazz. Es una de esas obras que consiguen un equilibrio entre el estilo y la sustancia, pues las letras ocupan un espacio frontal junto a los beats. El discurso de “Donde Duele Inspira” orbita constantemente el ego trip, algo indivisible de todas las iteraciones del hip hop, sin importar el país al que llegue; además de una fuerte inclinación a la soledad y la melancolía, como lo indica el título del proyecto.